Taller #5 de lectura crítica 11A Y 11B
Institución educativa Villa Santana
Docente: Harold Espinosa Duque
Materia: lectura crítica
Plazo de entrega: próxima clase jueves 18 de marzo
INSTRUCCIONES: Lee cuidadosamente cada tema y luego responde las siguientes afirmaciones; seleccionando una solo de las 4 opciones ( a, b c, d), en una hoja adicional, pues no se debe rayar el documento. Copiar las preguntas, responder y tomar foto, enviar a mi correo: haroldunidos@gmail.com o a mi whatsapp: 3113625645
Taller de lectura crítica #5
Actividad # 1
MITOS Y LEYENDAS - ATLÁNTICO
El Lucio
Cuenta que existió una vez un señor negro que adicionalmente se embadurnaba con carbón y manteca y salía de noche desnudo a acechar a las damas más bonitas del pueblo y las violaba. Todos los días, desde las seis de la tarde, las niñas se encerraban en sus casas por miedo a que las acechara. El Lucio se robaba también los calderos y las ollas de las casas. El pueblo, ya cansado de la situación, se armó en cuadrillas para agarrar a Lucio pero resultó ser que él era uno de los que lideraba las cuadrillas, lógicamente esa noche no lo encontraron, de hecho, él mismo decía: “dejémoslo quieto que esa noche no sale”.
Una señora, llamada doña Pura García, que era bruja, aceptó hacerle un rezo para agarrarlo, se disfrazó, se pintó las piernas y los brazos de negro y se puso una bata blanca. Doña Pura García, a quien le gustaba tomarse sus tragos, invitó a Lucio a tomar ron y se emborracharon en la choza de ella quedándose dormidos después de haber hecho el amor. De repente llegó una vecina que se asomó y los descubrió. En poco tiempo la noticia de que Lucio había acechado a la doña se regó por toda la comarca y fue así como Lucio fue castigado y llevado a la cárcel a responder por todas sus fechorías.
Mamita
Habla de la aparición de una virgen viva en casa de Silvia Rua, tres días después de haber dado a luz en el año 1912.
Según la leyenda, la señorita Rua vio una claridad en su cuarto y al despertarse vislumbró la imagen de su madre muerta en el dintel de la puerta de la habitación. “Hija mía - dijo- no temas por la claridad, soy tu madre, he venido a traerte una virgen, para que te cuide, te guarde y te acompañe, hasta que mueras”. La luz desapareció y en la mesa de noche, apareció un bustico de la Virgen de la Candelaria.
La noticia se regó por todo el pueblo, convirtiéndose la casa en un santuario de la Virgen y sitio de romerías de decenas de personas buscando salud para los suyos.
El busto de la Virgen fue llevado ante el cura de la población y fue bendecido por éste tras celebrar una misa en honor a la Virgen María.
La leyenda de la Mojana
La Mojana es una mujer diminuta, de cabellos dorados, tan largos que le llegan a hasta los pies volteados. Vive en una casa de piedra construida debajo del agua, donde cría diversos animales domésticos y donde se baña con una totuma de oro. Antes se le veía con frecuencia por el cerro de Juanché, donde era muy fácil percibir sus huellas después de los aguaceros. Rapta a los niños que se van a bañar en sus dominios y los lleva a su morada subacuática. Para evitar la acción de la Mojana sobre los niños, es necesario amarrarles un cordón especial, tanto en el cuello como en la cintura.
LA ACUARELA
Acuarela, etimológicamente, deriva del latín "aqua" y el diccionario nos lo define como "pintura realizada con colores diluidos en agua y que, emplea como blanco, el color del papel" o "colores con los que se realiza la pintura". El agua es el medio por el cual se transmite al papel la cualidad y calidad del color de los distintos pigmentos diluidos en este medio, aglutinados con otras sustancias como por ejemplo goma del Senegal, goma arábiga o tragacento, a lo que, los muy puristas, añaden otros componentes como glicerina, miel, hiel de vaca, un agente conservador como puede ser el fenol o el ortofenilfenato de sodio... A estas disoluciones se les denomina tintas y los baños con los que bañamos el papel usando el pincel u otro medio, se le llama aguadas.
Los colores de acuarelas se forman con un compuesto de pigmentos secos, en polvo, mezclados con goma arábica y solubles en agua. En la práctica, los colores ya preparados se disuelven, en el mejor de los casos, en agua destilada y se aplican al papel por medio de un pincel.
La característica principal de los trabajos en acuarela es la transparencia que producen estos pigmentos diluidos, lo que hace también que la técnica sea difícil, como difícil resulta la tarea de corregir o disimular algún error que, en el periodo de ejecución se produzca, aunque siempre existe algunas posibilidades que brinda el conocimiento y comportamiento de la acuarela, lo que unos denominan trucos o recursos.
Desde finales del siglo XIX, la pintura "a la acuarela" ha gozado de gran popularidad, siendo esta popularidad, la causante de cierto desprestigio ya que, el termino pintar "a la acuarela" se asociaba, automáticamente, a ciertos estratos de la sociedad que gozaba de una posición económica desahogada y que convertía, su afición por la pintura, en un pasatiempo ameno, usando las acuarelas como medio de expresión, ejecutando una y otra vez paisajes bucólicos, delicados, usando y abusando de los tonos pastel. A pesar de todo, los artistas han seguido utilizando la acuarela de forma creativa y aplicándola a los temas más diversos.
El agua es la protagonista de la acuarela y la causante de la excepcional transparencia y luminosidad que la caracterizan, imposibles de conseguir casi con ningún otro medio. En su utilización interviene el agua junto a una pequeña cantidad de pigmento que, una vez evaporada el agua, queda depositado en una capa tan diáfana que permite que el color blanco del papel quede a la vista bajo la pintura, proporcionando esta cualidad de transparencia propia de una buena acuarela.
Todavía existen detractores de la acuarela, que la tachan de ser una técnica de "segunda", apoyándose en argumentos como la inestabilidad del color.
La transformación que experimentan las obras ejecutadas con esta técnica es la de presentar un aspecto muy vivo, cuando están húmedas y apagadas, atenuadas, claras una vez la obra seca.
Esta transformación de aclarado que, evidentemente cambia el aspecto de la obra final, puede llegar, aproximadamente, a un 50% dependiendo de la cantidad de color con las que hayas cargado el pincel al ejecutar las aguadas. Por esto hay que tener en cuenta este proceso, a fin de conseguir el aspecto final lo más próximo a tu percepción.
A pesar de que algunos puristas defienden que existe una forma correcta de pintar con acuarela, sin salirse de las normas establecidas en tiempos pretéritos, en la actualidad, cada vez son más los artistas que, persiguiendo un resultado final, utilizan y mezclan técnicas en la misma obra.
La técnica debe ser utilizada en beneficio de la obra y por lo tanto, nunca esta deberá ser más importante que lo que se pinta.
http://www.todacultura.com/acuarelas/
1- Un caldero según el mito Lucio es:
a. Carbón mezclado con manteca
b. Vasija de barro negro
c. Un perol metálico donde fríen
d. Ollas de aluminio muy grande
2- En los mitos y leyenda algunas veces estos se
han creado para proteger algo; puede ser,
personas, la flora, la fauna, en el mito “Lucio” en
este se protege:
a. A las jovencitas de que no salieran en la noches de sus casas
b. A los borrachos y borrachas del pueblo
c. A doña pura gracia de su marido borracho
d. A las damas bonitas del pueblo
3- En la leyenda “mamita” se habla de un bustico de
la virgen, esto puede ser:
a. Los senos de la virgen
b. El vestido de la virgen
c. Una pequeña imagen de la virgen
d. El manto de la virgen de la candelaria
4- Muchas leyendas se han creado con el ánimo de
proteger algo, en la leyenda “la mojana”, se
puede deducir que se busca proteger:
a. El oro que hay en el río
b. El agua de aquel hermoso río
c. A los niños para no se bañen solos en el río
d. El cerro de Juanche
5- De la lectura “Acuarela” se puede deducir que
esta técnica quiere decir:
a. Más agua que color
b. El blanco del papel
c. Pigmento secos mezclados con goma arábiga
d. La luminosidad agradable
6- De la lectura “Acuarela” la expresión “sociedad
económicamente desahogada”, se puede
deducir que expresa:
a. Sociedad con gran popularidad
b. Sociedad con desprestigio por la acuarela
c. Sociedad que como pasatiempo pintaba
d. Sociedad con buenas capacidades económicas
7- El la técnica de la acuarela el protagonista es:
a. El papel acuarela
b. La goma arábiga
c. Los pigmentos
d. El agua
8- Cuando una obra en acuarela ya está terminada y
seca da la sensación de:
a. Mucha viveza en sus colores
b. La humedad aumenta
c. Apagada atenuados sus colores
d. Colores vivos y frescos
9- La técnica de la acuarela tomó más popularidad
en el:
a. Siglo once
b. Siglo dieciocho
c. Siglo quince
d. Diez y nueve
10- Se puede deducir que la técnica acuarela, es
una de las técnicas que no permiten:
a. Agregar aceite
b. Agregar óleo
c. Pintar en madera
d. Cometer errores
EXPRESION CORPORAL
La expresión corporal y/o lenguaje del cuerpo es una de las formas básicas para la comunicación humana. Con material educativo, la expresión corporal se refiere al movimiento, con el propósito de favorecer los procesos de aprendizaje, estructurar el esquema corporal, construir una apropiada imagen de sí mismo, mejorar la comunicación y desarrollar la creatividad. Su objeto de estudio es la corporalidad comunicativa en una relación: estar en movimiento en un tiempo, un espacio y con una energía determinada. Las estrategias para su aprendizaje se basan en el juego, la imitación, la experimentación y la imaginación. Estos procesos son los que se ponen en juego para el desarrollo de la creatividad expresiva, aplicada a cualquiera de los lenguajes. Como tal, ofrece a los educadores una amplia gama de posibilidades en su trabajo específico.
Como expresión artística se basa en la forma en que se interpreta emociones por medio de nuestros movimientos: inconsciente y conscientemente, se caracteriza por la disciplina que lleva a expresar emociones.
El propósito principal es sentir libertad en la ejecución de cada movimiento artístico basado en los sentimientos que quieren expresar, ejemplo:
Si se quiere hacer una ejecución de éstas, se utiliza la creatividad para inventar formas y movimientos, además de que tienen que sentirse en completa libertad.
Por último es la corporación, que se utiliza como la única comunicación a través de los movimientos del cuerpo. Siempre debemos estar seguros de nosotros mismos. Nos sirve para poder comunicarnos sin usar el lenguaje oral como con las personas con discapacidades auditivas y visuales, que utilizando sus manos logran un muy efectivo medio de comunicación.
El lenguaje del cuerpo no es una ciencia exacta. A veces los gestos o movimientos de las manos o los brazos pueden ser una guía de sus pensamientos o emociones subconscientes, pero a menudo esos indicios son erróneos. Las señales no verbales se usan para establecer y mantener relaciones personales, mientras que las palabras se utilizan para comunicar información acerca de los sucesos externos.
En la representación teatral se podría prescindir de todos los sistemas de signos auditivos y de casi todos los visuales, menos de la acción; el actor siempre es el encargado de llevarla a cabo, por lo que la expresión corporal es esencial y fundamental en la representación teatral, es decir, durante la obra.
http://es.wikipedia.org/wiki/Expresi%C3%B3n_corporal
FORMATOS Y ENCUADRES
Un dibujo es la representación gráfica sobre una superficie, generalmente plana, por medio de líneas o sombras, de objetos reales o imaginarios o de formas abstractas.
Es importante tener en cuenta antes de realizar cualquier trabajo las pautas que estén relacionadas con el diseño o con el dibujo a realizar, dichas pautas son: los formatos de papeles que se deben elegir para dibujar.
Se llama formato a la hoja de papel en que se realiza un dibujo, por lo tanto podemos elegir el tipo que más nos convenga para hacer nuestros dibujos, ya que los formatos pueden ser: verticales, horizontales, ovalados, circulares, irregulares, etc. O sea que dependiendo de lo que vayas a dibujar será el formato que vas a escoger.
El encuadre es aquello que el dibujante, pintor o fotógrafo sitúa dentro de la imagen o fotografía, la porción de escena que elige captar y plasmar. Ante un mismo motivo cada artista puede elegir hacer una imagen diferente captando unos u otros elementos.
Es importante repetir que no existen reglas rígidas y mucho menos con respecto a dónde deben colocarse los objetos dentro del encuadre, no obstante, es importante que el artista conozca algunos recursos cuya eficacia está demostrada y que pueden ser de utilidad para resaltar el motivo o transmitir distintas sensaciones.
http://artesvisuales25.blogspot.com/2009/12/formatos-y-encuadres.html
DIRECCION DE LA LUZ
Siguiendo con la serie de artículos relacionados con la iluminación hoy nos centraremos en la dirección de la luz. Esta propiedad es realmente importante en el arte de la fotografía, pues afectará a nuestra percepción de las texturas y los volúmenes, ocultará detalles bajo sombras, modificará la intensidad de los colores, etc., influyendo directa y notablemente en nuestra toma.
La dirección de la luz dependerá siempre de tres factores principales: la posición del foco de luz, la posición del motivo a fotografiar y la posición del observador, en este caso, la cámara. En base a esto deberemos tener en cuenta que para analizar esta dirección habrá que hacerlo siempre desde el punto de vista de la cámara.
Atendiendo a su dirección, la luz podemos clasificarla de la siguiente manera:
Luz frontal
Esta situación se produce cuando el fotógrafo se encuentra entre la fuente de luz y el motivo, y entendemos que la luz se dirige desde la fuente hacia el motivo. Un ejemplo muy claro de iluminación frontal es el flash incluido en la cámara.
http://www.positivando.es/direccion-de-la-luz.html
QUE ES EL TEATRO
Teatro es un término de origen griego y proviene de la palabra θέατρον, theatrón, que significa lugar para contemplar o ver. El término indica tanto el conjunto de piezas dramáticas para su representación en público como el edificio donde se representan estas piezas, usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo.
El origen del teatro se remonta al hombre primitivo y a todas las formas de sus rituales (asociados a la caza, a la cosecha, a la muerte, al nacimiento, etc.), bailes, imitaciones de animales, cultos a los dioses y prácticas más ociosas, para entretenerse.
Se cree que la idea del teatro como lo conocemos hoy surgió en la antigua Grecia en el siglo IV a.C. En theatrón se celebraban ceremonias religiosas en honor de Dioniso, el dios griego del vino. En la celebración de la vendimia (cosecha de uvas) había música, baile y representaciones del ditirambo.
http://www.significados.info/teatro/
11- En las artes el óleo es:
a. Un estilo
b. Una composición
c. Una acuarela
d. Una técnica
12- La manera en que se suelta la pintura es:
a. Una técnica
b. Una composición
c. Un estilo
d. Un punto
13- “Su situación dentro del encuadre crea
relaciones de composición”
a. La técnica
b. El estilo
c. La composición
d. El punto
14- La superficie donde vamos a dibujar recibe el
nombre de:
a. Composición
b. Formato
c. Encuadre
d. Estilo
15- La palabra expresión que está en negrilla en el
texto, se puede cambiar por:
- Cuerpo
- Comunicación
- Movimiento
- Humana
16- En las artes el óleo es:
e. Un estilo
f. Una composición
g. Una acuarela
h. Una técnica
17- La manera en que se suelta la pintura es:
e. Una técnica
f. Una composición
g. Un estilo
h. Un punto
18- “Su situación dentro del encuadre crea
relaciones de composición”
e. La técnica
f. El estilo
g. La composición
h. El punto
19- La superficie donde vamos a dibujar recibe el
nombre de:
e. Composición
f. Formato
g. Encuadre
h. Estilo
95- La palabra expresión que está en negrilla en el
texto, se puede cambiar por:
- Cuerpo
- Comunicación
- Movimiento
- Humana
ACTIDAD # 2
Lee el siguiente documento y escribe 20 planteamiento cada uno con 4 opciones de respuestas, así como la actividad anterior
LA HISTORIA DEL ARTE: La historia del arte es la evolución del arte a través del tiempo.
Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con finalidad estética o comunicativa, a través del que expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, el arte emplea diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.
La historiografía del arte, como disciplina académica y entorno institucional (museos, mercado del arte, departamentos universitarios, producciones editoriales) se suele restringir a las denominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a pintura, escultura y arquitectura), mientras que otras artes son más específicamente objeto de estudio de otras disciplinas claramente delimitadas, como la historia de la literatura o la historia de la música, siendo todas ellas objeto de atención por la denominada historia de la cultura o historia cultural, junto con las historias sectoriales enfocadas a otras manifestaciones del pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de la filosofía o la historia de las religiones. Algunos campos de conocimiento estrechamente relacionados con la historia del arte son la estética y la teoría del arte.
A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa manera, desde la distinción medieval entre artes liberales y artes vulgares (o «mecánicas»), pasando por la moderna distinción entre bellas artes y artes menores o aplicadas, hasta la multiplicidad contemporánea, que entiende como arte casi cualquier manifestación de la creatividad del ser humano.
La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales» llegó en el siglo XX hasta el número de nueve: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura, la poesía —entendida de forma amplia como literatura con intención estética, que incluye los distintos géneros del teatro y la narrativa—, la cinematografía, la fotografía y la historieta (o cómic).
Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y artes visuales se añadieron los de diseño y artes gráficas. Además de antiquísimas formas de expresión artística como la moda y la gastronomía, actualmente se suelen considerar artes nuevos vehículos expresivos como la publicidad, la animación, la televisión y los videojuegos.
La historiografía del arte es una ciencia multidisciplinar, procurando un examen objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo periodizaciones y observando sus características distintivas e influencias. El estudio de la historia del Arte se desarrolló inicialmente en el Renacimiento, con su objeto limitado a la producción artística de la civilización occidental. No obstante, con el tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la historia artística, intentando una descripción global del arte de todas las civilizaciones y el análisis de sus producciones artísticas en términos de sus propios valores culturales (relativismo cultural), y no sólo de los de la historia del arte occidental.
El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia. Durante el siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos y galerías, de ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de las obras de arte, así como su exposición a un público mayoritario. El auge de los medios de comunicación ha sido fundamental para el mejor estudio y divulgación del arte.
Eventos y exposiciones internacionales, como las bienales de Venecia y São Paulo o la Documenta de Kassel han ayudado al fomento de nuevos estilos y tendencias. Premios como el Turner de la Tate Gallery, el Premio de la Fundación Wolf de las Artes, la Medalla Picasso de la UNESCO, el Premio Velázquez de Artes Plásticas, el Premio Pritzker de arquitectura, el Premio Nobel de literatura, la Medalla Mozart de la Unesco de música clásica, el Pulitzer de fotografía y los Óscar de cine también fomentan la obra de los mejores creadores a nivel internacional. Instituciones como la UNESCOcon el establecimiento de un Patrimonio de la Humanidad ayudan igualmente a la conservación de los principales monumentos del planeta.1
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